2026: 10 meses de exposiciones para la ciudadanía

Sala Rivadavia

EL PABELLÓN DE HIELO

Con una estética retro-futurista, la obra de Paula Vincenti es una amalgama de ideas; un puzzle ecléctico de geometrías y figuración con un barniz barroco que, aunque interactúan desde la estridencia para crear un lenguaje ácido y chispeante, convergen en la superficie de una forma armónica para desentrañar e intentar comprender aspectos de la sociedad actual que le interesan a la artista. Como en el resto de sus planteamientos en obra anterior, la artista recurre a composiciones con una estética que funcionan como un “punch visual” de excesivo preciosismo retórico, con figuras femeninas en actitud sugerente y superficial que deambulan en escenarios desconcertantes para abordar temas nada superficiales de una sociedad que va a la deriva. La artista reflexiona sobre los excesos de una sociedad cada vez mas alienada.

Ironía y acidez bajo una aparente inocencia con una clara intención de llegar a un público en general y no sólo especializado, destaca en el tratamiento de las imágenes como reclamo publicitario, poniendo el foco en la sociedad de consumo.

Paula Vincenti ha mostrado su trabajo de forma individual y colectiva en galerías españolas como Clave de Murcia, Polígono Gallery, Yusto Giner, WadströmTönnhein de Marbella, en las neoyorquinas Sylvia White, Uncommon Choises y Fabien Fryns Fine Art de Los Angeles y en F2 Gallery de Pekín, participando en ferias de arte internacionales como ArteMilano, Estampa y Just Lx.

LAS ÚLTIMAS LUCES

Ante la obra de Juan Manuel Medina uno puede pensar que se trata del trabajo de un pintor paisajista. Y sí, es cierto, Medina pinta paisajes, pero, como él mismo afirma, “creo que yo pinto el Sur”.

Juan Manuel Medina pinta un sur distinto, de una manera diferente, alejado de esa famosa “salada claridad” con la que se nos identifica, y lo hace por carreteras y autopistas, desde suburbios, en días nublados y en un ambiente nocturno. Volvemos a las palabras del artista, porque él mismo lo define como “casi como si siempre fuera un desapacible miércoles de noviembre”. En definitiva, de lo que hablamos es de que a este autor no le interesa la luz en sí misma, pues su centro de interés está más en la atmósfera, en una cierta sensación de melancolía.

Las pinturas de este artista bien podrían ser fotogramas de muchas de las películas y series de televisión que vemos con asiduidad, podrían ser perfectamente los escenarios en los que transcurren historias infinitas, personales, únicas, historias que solo el espectador podrá inventar y desarrollar en ese escenario que Medina nos regala.

José Manuel Medina fue ganador del I Premio de Pintura de la Galería Omorfia de Cádiz en 2023.

SINCROMÍAS: TEJER, HILAR, SEDAL

SINCROMÍAS: Tejer, hilar, sedal es una investigación retrospectiva sobre la materialidad del hilo, el sedal y el proceso de creación como medios para reconfigurar la narrativa de mi propia práctica artística. A lo largo de más de dos décadas, el uso del hilo de nailon se ha convertido en una herramienta de

exploración de las tensiones entre lo industrial y lo artesanal, lo sintético y lo orgánico, y en una forma de reflexión sobre cómo la materia transforma nuestra percepción del tiempo y del espacio. Mi metodología se basa en la repetición, el movimiento corporal y el ritmo de los gestos en el acto de tejer. Este proceso, que concibo como un ejercicio meditativo y espiritual, genera un espacio para la contemplación activa: las líneas geométricas y las superficies planas producen una experiencia casi hipnótica que invita al espectador a un diálogo íntimo con la obra.

En este proyecto, los lenguajes de la abstracción lírica, la geometría, el minimalismo y el op-art se entrelazan con las tradiciones artesanales textiles, tejiendo una confluencia estética que refleja mi identidad cultural y mi conexión con la historia de Al-Ándalus y la cultura de la seda. Cada pieza se construye con alrededor de 15.000 metros de hilo, entrelazados en tramas horizontales y verticales. Este proceso manual, lento y meticuloso, se convierte en una forma de resistencia: una reflexión crítica sobre la separación entre arte y artesanía, y una reivindicación del cuerpo, la materialidad y el tiempo como ejes esenciales de la creación artística.

HORIZONTE DIBUJADO

Rocío Cano nació en Jerez (Cádiz). Tras estudiar Bellas Artes en Sevilla y residir en la Fundación Antonio Gala (Córdoba) se dedicó por completo a pintar. Ha enriquecido su carrera con numerosos cursos y talleres, pero es en la soledad del estudio y en la búsqueda del natural donde desarrolla su trabajo.

Ha recibido premios en diversos certámenes y realizado numerosas exposiciones tanto colectivas como individuales, siendo las más recientes “Cuaderno de campo” en Jerez de la Frontera y “Paisaje Meridional (Madrid).

Su pintura se basa en gran medida en la búsqueda de sensaciones, y en la mezcla de ellas con la materia plástica. La observación de la naturaleza, el paisaje y el entorno más cercano se han convertido en la base de su trabajo.

El apasionamiento por el proceso creativo reflejado en cuadernos de apuntes y bocetos, es el punto de partida para argumentar obras de mayor formato y diferentes técnicas pictóricas con los que intenta desarrollar un lenguaje figurativo propio basado en la emoción plástica.

MIS QUERIDOS VECINOS

Mis queridos vecinos es una serie fotográfica que nace de la observación silenciosa y a veces melancólica de la vida en los grandes edificios urbanos. En estos espacios verticales, miles de personas conviven separadas por unos pocos centímetros de pared, compartiendo estructuras, rutinas, ascensores… pero no necesariamente vínculos. La serie propone una mirada crítica, poética e irónica sobre esta coexistencia anónima. Cada retrato presenta a un habitante como un universo cerrado: su cabeza, ubicada dentro de una caja que representa su vivienda, encierra su identidad, su historia y su imaginario. Los objetos que lo rodean funcionan como pistas simbólicas que revelan aspectos de su personalidad.

Esta puesta en escena remite a una suerte de taxonomía urbana, donde cada individuo se muestra como una cápsula íntima. Todos están de perfil y orientados hacia la derecha, dándose simbólicamente la espalda, en alusión a la desconexión cotidiana que domina la vida en comunidad.

Mis queridos vecinos no solo retrata a individuos con vidas distintas, sino que construye una imagen colectiva de la ciudad contemporánea: un espacio de cercanía física y distancia emocional. Esta serie interpela al espectador desde lo íntimo, pero también desde lo social. ¿Conocemos realmente a quienes viven al otro lado del muro? ¿Nos interesa hacerlo? ¿Qué dice esto de nosotros como sociedad? En ese cruce entre arte, psicología y crítica social, se sitúa Mis queridos vecinos: una propuesta que busca mirar, y hacernos mirar, más allá de la puerta cerrada del apartamento vecino.

DE ANIMALIA

La cerámica es una de las disciplinas artísticas que está cobrando un mayor relieve en el panorama artístico actual en los últimos tiempos. Junto con el textil, es fácil encontrar en ferias de arte contemporáneo multitud de trabajos que exploran las múltiples posibilidades expresivas y comunicativas de una técnica tradicional, que ahora se descubre como totalmente válida para estar al mismo nivel que la pintura u otras disciplinas artísticas.

Rafael Chacón es uno de los mayores representantes de esta nueva tendencia de la cerámica como lenguaje comunicativo, como terreno que revisitar y redescubrir, produciendo un sinfín de piezas fantásticas, que, sin lugar a dudas, encandilan y hacen disfrutar a los aficionados al arte que llegan hasta las salas de exposiciones.

Chacón es autor de un universo propio, habitado por seres de múltiples formas, colores y matices brillantes, que demuestran su capacidad creadora y su dominio de una técnica como la cerámica. En el taller de Rafael Chacón la cerámica da un paso más y nos invita a abrir la mente y ser capaces de disfrutar de una producción artística que va más allá de las formas tradicionales que esta técnica nos ha dado desde siempre.

Chacón ya pasó por la Sala Rivadavia en una muestra de cerámica colectiva titulada “Cardinal”, en noviembre de 2022.

MARES INTERIORES

Alfonso Barrera lleva años creando espacios pictóricos donde lo irreal se vuelve real y las emociones vibran con la armonía de los colores y las formas. La vocación artística le define: pinto porque siento ser pintor, es mi esencia, mi ser... algo que me reconforta el alma. Su obra es como una especie de viaje introspectivo en el que trata de poner en orden ese mundo interior con todos sus defectos y virtudes y al que conecta de dentro hacia afuera con ese mundo exterior a través de su pintura. Intuición, a veces espontaneidad, conexión con el subconsciente que decide en la abstracción buscar formas de expresión basadas en el automatismo y en la improvisación cromática. Un encuentro con la creatividad y la estética, esta última fundamental para entender su obra como elemento comunicador en busca de una belleza formal y un sentimiento que se despierta en el ser humano, en el espectador. Y es desde esa experiencia estética donde sugiere las formas, matices, expresiones nuevas que nos enseña su propia esencia pictórica.

Las obras de Barrera trabajan los colores como si se tratarán de territorios cromáticos que compusieran una geografía irreal. A pesar de su abstracción, la pintura de Alfonso evoca composiciones naturales, formas orgánicas o arquitecturas soñadas y en los que intención y azar se confunden, a veces rotundos y lineales, otras, en apariciones sutiles, casi transparentes, de personajes o formas que concurren en composiciones llenas de color.

ENTORNO: ANATOMÍA DE ESPACIO Y VÍNCULO

Esta es, sin duda alguna, la exposición más moderna y transgresora que vamos a tener en la Sala Rivadavia en 2026 (y me atrevería a apostar a que también pasará en años venideros).

Se trata de una exposición que combina distintos lenguajes, distintas técnicas, soportes tradicionales (como el papel y la tinta china) y tecnología actual (con medios audiovisuales y piezas de videocreación).

Miguel Ángel Valencia es un artista reconocido en Cádiz, de larga trayectoria y con obra presente en muchas colecciones públicas y privadas, que ya expuso en la Sala Rivadavia en 2002. Ahora viene acompañado por su sobrina, Julia Valencia, con la que ha conformado un tandem creativo muy especial, pues de esa conexión surgen propuestas muy interesantes y especiales.

En esta exposición encontramos piezas audiovisuales, al más puro estilo de Bill Viola, conviviendo en perfecta armonía con un trabajo plástico, pictórico, que producen una impresión nueva en el visitante que llega a la Sala Rivadavia. Además, creo que es una apuesta importante, pues de esta manera damos visibilidad a una disciplina, la videocreación, que en contadas ocasiones llega a una sala de exposiciones como la nuestra.